Le curatrici della Biennale del Whitney Meg Onli e Chrissie Iles.Fotografia di Bryan Derballa

zodiaco del 19 novembre

La Biennale del Whitney di quest’anno è controversa ma, francamente, sono un po’ stanco di scrivere quelle parole ogni due anni. IL Biennale del Whitney 2024, ancora meglio della realtà, offre molte riprese interessanti e altrettante estetiche interessanti, oltre a un film in cui Danny Huston interpreta Albert C. Barnes. Allora, di cosa si lamentano esattamente le persone?

La Biennale, che durerà fino all'11 agosto, è stata curata da Chrissie Iles e Meg Onli, e Starttracker ha recentemente incontrato Onli per porre alcune domande su come tutto è nato.

In che modo pensi che la tua Biennale del Whitney si distingua dalle altre e, per rendere più semplice il confronto, dall’ultima del 2022?

Vedo ogni Biennale del Whitney come plasmata dal panorama culturale e politico del momento in cui la mostra viene organizzata. Si tratta di un periodo piuttosto breve di circa undici mesi durante il quale la mostra si riunisce, e la Biennale è organizzata in un modo diverso da molte mostre. Per un confronto facile e veloce, vedo il 2022 Quiet as It’s Kept è stato modellato dall’imprevisto verificarsi della pandemia di COVID-19 e allo stesso tempo parla alle conversazioni nell’arte contemporanea sull’astrazione.

Per noi, eravamo molto interessati a ciò che viene dopo l’evento di qualcosa come una pandemia e ci siamo rivolti ad artisti che hanno ripetutamente trasmesso il loro interesse nel ritornare alle idee di precarietà all’interno dell’ambiente naturale e costruito, nonché un interesse per il corpo. Da un luogo formale, la Biennale del Whitney del 2022 ha davvero trasmesso un senso di astrazione attraverso la sua installazione. Per noi, volevamo allestire una mostra che avesse stanze ampie che potessero ospitare installazioni e allo stesso tempo mettere gli artisti in dialogo diretto tra loro.

Per favore, dammi un'idea di come hai selezionato i tuoi artisti. Quante visite in studio hai fatto? Qual è la distanza più lontana che hai viaggiato? È stato divertente?

Abbiamo iniziato a lavorare alla Biennale quando Chrissie mi ha incontrato a Los Angeles. Era settembre e Los Angeles stava attraversando un'ondata di caldo. Circa la metà degli artisti ha dovuto riprogrammare le visite perché faceva molto caldo. C'è stato un incendio sulle colline di La Tuna Canyon Road, non molto lontano da un paio di studi dove stavamo andando. Era uno sfondo piuttosto drammatico e dava un po' il tono allo spettacolo, ma penso anche che essendo a Los Angeles abbiamo parlato presto con alcuni degli artisti che ci hanno aiutato a dare forma ad alcune idee dello spettacolo, in particolare idee di agenzia materiale, un rinnovato interesse per la psicoanalisi e l’instabilità del mondo.

Alla fine abbiamo trascorso gran parte del viaggio al chiuso e abbiamo semplicemente fatto un brainstorming su un lungo elenco di artisti che volevamo incontrare. Questo elenco finirebbe per guidarci attraverso molte delle nostre visite iniziali. Alla fine, abbiamo fatto circa 200 visite in studio e viaggiato fino a Venezia per partecipare a Loophole of Retreat. La cosa più importante per noi era passare del tempo con gli artisti. Abbiamo calcolato una media di circa 3 ore per visita in studio e alcune delle nostre visite più lunghe sono durate dodici ore. Sia a me che a Chrissie piace conversare con gli artisti, e questo ci ha portato a molte delle nostre prime riflessioni sullo show.

Il comunicato stampa afferma che la mostra rappresenta le nozioni in evoluzione dell'arte americana. Come hai definito l'approccio americano a questo processo?

Questa è una domanda con cui Whitney è costantemente alle prese. Nel museo, discutiamo spesso del lavoro basato sul tempo trascorso negli Stati Uniti, ad esempio, avendo vissuto negli Stati Uniti o frequentato la scuola qui solo in due. Penso che spesso sfidiamo noi stessi a mettere in discussione i concetti di confini, confini e territori. Ciò è stato influenzato dalle conversazioni con curatori, artisti e studiosi indigeni. All’interno del programma cinematografico abbiamo anche artisti che non solo sono alle prese con queste idee, ma pensano anche all’America stessa come soggetto e influenza al di là della sua posizione geografica.

Veduta dell'installazione di 'Even Better than the Real Thing' al Whitney Museum of American Art; Charisse Pearlina Weston, ‘un- (ellisse anteriore come contenitore mutilato; o dove i bordi si incontrano per incunearsi e {un}ormeggiare)’, 2024.Fotografia di Nora Gomez-Strauss

Quest'anno sono presenti solo quarantaquattro artisti e collettivi, una Biennale del Whitney relativamente più piccola. Perché hai scelto di mantenerlo limitato?

L'intera mostra presenta settantuno artisti e collettivi, riflettendo un robusto programma di film e performance curato in collaborazione con curatori esterni. Tuttavia, le gallerie stesse hanno quarantaquattro artisti.

All’inizio del lavoro sulla Biennale, avevamo discusso di fornire agli artisti più spazio nelle gallerie. Eravamo interessati a presentare installazioni di grandi dimensioni e volevamo che ogni artista avesse uno spazio generoso che lo mettesse in dialogo con gli artisti installati intorno a lui creando ambienti coinvolgenti. Durante le nostre visite in studio, abbiamo notato che molti degli artisti che stavamo incontrando producevano anche lavori su vasta scala. Ad esempio, durante un primo incontro con Mary Kelly, lei disse che il suo lavoro sarebbe stato lungo quasi nove metri.

Avere meno artisti ha anche fornito più risorse a ciascun artista. Per la prima volta, gli artisti hanno ricevuto 2.000 dollari in onorario. Siamo stati in grado di supportare più nuovi lavori creati per la mostra e, con una quantità minore nelle gallerie, abbiamo anche concesso più tempo da trascorrere con ciascun artista.

9 giugno

Il testo sul muro all'ingresso dice che il tuo titolo Even Better Than the Real Thing si riferisce in parte alla crescita dell'intelligenza artificiale. Parlando in generale, che ruolo gioca la tecnologia nella vita professionale degli artisti che hai selezionato?

All’interno di questa Biennale eravamo interessati alle questioni del reale in relazione a tre grandi cambiamenti avvenuti nell’ultimo anno: la proliferazione dell’intelligenza artificiale che ha alterato ciò che intendiamo come verità e storia; e i cambiamenti storici all’autonomia del nostro corpo, come si è visto nel ribaltamento di Roe v. Wade e nella legislazione transfobica che ha limitato le cure che affermano il genere. Se si considerano gli artisti presenti in questa mostra, la maggior parte di loro non sarebbe stata considerata reale e invece subumana nella storia dell'America. Questa idea si perpetua fino ad oggi.

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Per quanto riguarda la tecnologia in mostra, ci sono opere che interagiscono direttamente con l’intelligenza artificiale, come Holly Herndon e Mat Dryhurst. xharymutantx , che utilizza l'A.I. immagini per alterare le immagini di Herndon e il modo in cui viene immaginata online. Altri artisti esplorano la tecnologia attraverso processi, materiali, metafore o in modi più sottili, come le tecnologie assistite dall’intelligenza artificiale che si trovano nelle opere di Nikita Gale, Jes Fan, Clarissa Tossen, Kite, Chanel Tyson e Ho Tzu Nyen.

Il mondo dell’arte ha ricevuto una massiccia infusione di politica nel 2017. Cosa pensi della loro continua presenza nell’arte e quale è stato il tuo atteggiamento nei confronti della politica nel curare questa mostra?

Il mondo dell’arte è sempre stato intriso di politica. Penso che la parola politica possa spesso segnalare un’idea di politica progressista quando in realtà il mondo dell’arte è composto da politici in competizione. Vedo il 2017 e l’estate del 2020 come parte di un continuum. C’è una lunga storia di artisti e lavoratori dell’arte che sostengono che musei e gallerie riflettano il mondo diversificato in cui viviamo. Il meraviglioso libro di Susan E. Cahan, Frustrazione crescente: il museo d'arte nell'era del potere nero , esamina i cambiamenti avvenuti nei musei negli anni '60 e '70.

Qualcosa che ha guidato la nostra curatela è stato pensare a cosa ci si aspetta che gli artisti con identità emarginate creino. Abbiamo notato così tanti artisti alle prese con la complessità dell’identità e un reale interesse nel mettere in discussione cosa significhi essere visti e interpretati da coloro che sono al di fuori della propria comunità. Questa mostra presenta opere che affrontano molte questioni complesse tra cui il genocidio, il disastro climatico, i diritti di proprietà, il furto di terre e l'accesso all'aborto, solo per citarne alcuni. Molti artisti affrontano questi aspetti in modi formali più astratti che in qualcosa di ampolloso o rappresentativo.

Cosa speri che i visitatori escano dallo show?

Spero che gli spettatori escano dallo spettacolo con un rinnovato interesse per lo sguardo ravvicinato. Questa mostra parla della complessità del sé e del mondo che ci circonda. Non è una mostra che si legge velocemente. Molti artisti hanno approcci formali che possono complicare le idee del corpo e parlare a un sé multidimensionale e mutevole. Mi piacerebbe che il pubblico se ne andasse pensando a quanto l'identità possa essere complicata.