Andrea Marie Breiling nello studio di Maiorca, mentre lavora sui dipinti per la mostra.Foto Emanuele Arceo

Originaria di Phoenix, in Arizona, l'artista astratta americana Andrea Maria Breiling è cresciuta circondata da paesaggi caratterizzati da colori vivaci, forti contrasti materici e vibranti tonalità di rosso, arancione e rosa attivate dal sole. L'atmosfera del Mediterraneo è molto diversa ma non per questo meno intensa: può intrappolarti in un vortice di sensazioni cromatiche che cambiano nel corso di una singola giornata, a seconda della posizione del sole, mentre la brezza marina ti trasporta in un viaggio sensoriale ed emozionale che riconnette con qualcosa di ancestrale. È ciò che Breiling ha sperimentato durante una residenza di quattro mesi a Maiorca, in Spagna, durante la quale ha catturato l'essenza stessa dell'isola e poi l'ha tradotta in una nuova serie di vibranti astrazioni ora in mostra al CCA Andratx di Maiorca fino al 22 settembre. in contatto con l'artista un mese dopo l'apertura di C'è un oceano qui, ma tu sei tutto ciò che vedo , la sua prima mostra personale istituzionale, per chiederle come l'isola l'ha ispirata e cosa ha intenzione di fare dopo.

Hai trascorso quattro mesi immergendoti nei paesaggi, nei colori e nelle texture di Maiorca, il che ti ha portato a queste vibranti astrazioni. Sappiamo che potenti scenari naturali possono influenzare profondamente la tavolozza di un pittore: è successo a Van Gogh, Monet e Renoir nel sud della Francia. Come vedi l'isola e la sua natura che hanno cambiato o nutrito la tua tavolozza?

Col senno di poi, il tempo è volato. Adesso è luglio e Maiorca è un'isola completamente diversa da quando siamo arrivati ​​a fine febbraio. Quindi, era piuttosto freddo e vivace. L’intera isola era davvero bella, calma e silenziosa, ma ora è piena di così tanta energia cinetica, masse di persone e un caldo pazzesco.Il terreno mediterraneo ha immediatamente trasformato il mio rapporto con la mia estetica visiva. Il colore generale dell'isola è tenue e tenue, con beige tenui, sfumature di formazioni rocciose di arenaria e terreno desertico. Mi sono accorto subito di rifuggire dai colori vibranti in quasi ogni aspetto della mia vita qui: tutto, dalle sfumature dei vestiti che indossavo in studio alle tavolozze di colori che sceglievo per i miei lavori; sembra che tutto sia cambiato.

Allo stesso tempo, ogni volta che dipingevo con colori vibranti, sentivo un senso di rappresentazione con ciascun colore: i gialli erano la luminosità del sole che sorge e tramonta; i verdi iniziarono a rappresentare le sfumature turchesi dell'acqua di Maiorca (l'acqua limpida dell'oceano blu-verde qui è davvero diversa da qualsiasi acqua che abbia mai visto prima); i rossi e gli arancioni mi hanno ricordato l'architettura locale in pietra arenaria spagnola: e infine, quando ho scelto il magenta e il viola, ho iniziato a vedere i fiori selvatici naturali che punteggiano il bellissimo paesaggio aspro.

Vista dell'installazione della Earth Room al CCA Andratx, Maiorca.Foto David Bonet

L'esposizione è divisa in stanze che rappresentano elementi distintivi, temi e tavolozze di colori legati all'isola che ti ha ispirato. Abbiamo i punti salienti di The Sunroom, The Sunset, The Water e The Highland. Qualcuno di questi ti ha influenzato più degli altri?

Penso che tutti avessero davvero bisogno l'uno dell'altro. Ogni stanza è più forte quando fa parte di un ecosistema più ampio. È una mostra coesa, non solo un mucchio di dipinti, il che ècosì importante per me e per il mio amore per raccontare storie. I singoli dipinti hanno una propria identità, certo, ma in realtà li vedo come personaggi su un palco nella mia opera teatrale.

La mia storia di Maiorca sarebbe stata incompleta senza tutti questi elementi: la brillante veranda, i toni della terra nella stanza del tramonto, la fresca stanza dell'acqua blu-verde e, infine, la vibrante stanza dei fiori di campo. Volevo che lo spettacolo colpisse gli spettatori in modo poetico, proprio come guardare la danza contemporanea. Volevo che il corpo dello spettatore sentisse il ritmo dell’isola mentre attraversava ogni elemento. In definitiva, la mia risposta è no: nessun singoloelemento era più integrale del successivo. Piuttosto, erano tutti ugualmente stimolanti e dipendenti l’uno dall’altro.

Una vista dal tetto degli spazi di residenza del CCA Andratx catturata dall'artista.Foto di Andrea Marie Breiling

Il titolo della mostra è molto poetico ed evocativo, sottolineando il rapporto tra le opere e la natura dell’isola. Puoi dirci di più su cosa l’ha ispirato?

Un aspetto importante del mio lavoro è l’enorme quantità di energia di cui ho bisogno per realizzare un dipinto. Per me, l'atto di dipingere è uno sport molto atletico e ci vuole molta forza e potenza fisica per realizzare i miei dipinti. Date queste richieste rigorose e impegnative, nel tempo, ho creato sistemi per ispirare, motivare e mantenere alta la mia energia per il compito. Come puoi immaginare, la natura immersiva dei miei mesi di residenza a Maiorca stessa è stata un'inevitabile ispirazione quotidiana... il clima, lo scenario, la lingua, il cibo e le persone hanno tutti influenzato e modellato la mia percezione e il mio approccio all'argomento. questo corpus di lavori.

A un livello più tangibile, quando sono effettivamente in studio a lavorare, una delle fonti di ispirazione più importanti per me è la musica. Avere la musica nel mio studio mentre lavoro è uno degli aspetti più importanti del mio processo creativo, poiché fornisce motivazione e ispirazione e mi mantiene centrato e concentrato per finire tutto. La musica, però, non è solo rumore di sottofondo. Sono un ascoltatore attivo che presta attenzione ai testi. Non è raro per me scrivere parole o frasi dalle canzoni quando sento che si adattano allo stato d'animo o all'argomento del lavoro mentre lo sto realizzando. Più tardi, quando do il nome ai pezzi, guardo spesso i miei appunti sul mio iPhone e quasi immancabilmente ogni parola o frase mi riporta indietro a quel momento nel tempo, e ricorderò esattamente dove e quando mi trovavo lo studio: se il sole stava tramontando o sorgendo o cosa mi pesava nella mente in quel momento specifico. Molti titoli dei miei dipinti sono testi di canzoni o titoli di canzoni e servono come capsule temporali di ricordi della mia esperienza qui. Lo stesso vale per tutto ciò che ho realizzato, quindi è quasi come se fossero poesie che commemorano il mio tempo qui sulla terra... la mia esperienza umana.

La Sala del Sole.Foto David Bonet

C’è infatti un ritmo che dà vita a questi dipinti, accompagnato da una musicalità ben calibrata che si sposta tra momenti di profonda sospensione e altri picchi e climax, proprio come in una composizione musicale. Che tipo di musica ascoltavi mentre realizzavi quei lavori?

Durante questa residenza, ho ascoltato in ripetizione il gruppo London Grammar, e il testo di una delle loro canzoni è diventato il titolo della mostra qui al CCA. Nel complesso, amo tutti i tipi di musica: di tutto, dalle band shoegaze oscure, profonde e deprimenti alla techno allegra, e persino qualche pop country si fa strada nella mia playlist in studio! Adoro la varietà, e tutto dipende davvero dal mio umore e dal tipo di sentimenti ed emozioni che sto cercando di calmare o evocare! La musica è così potente; è pazzesco quello che può fare, non è vero? Quando sono in studio, e posso dire che sono davvero nel ritmo e che il dipinto sta andando bene, spesso inizio a riprodurre una canzone particolare a ripetizione... e questo può andare avanti per ore alla volta, a a qualsiasi ora del giorno e della notte! Fortunatamente, a Maiorca ho avuto vicini molto tolleranti e comprensivi, dato che uso raramente le cuffie.

Un'altra vista della Sala del Sole.Foto David Bonet

Esistono diversi approcci all'astrazione, ma i due principali sono l'astrazione espressionista e l'astrazione spirituale. Sento che le tue tele sono caratterizzate da una combinazione dei due: possiamo vedere il coinvolgimento del corpo nelle strisce dinamiche di colori, movimenti pittorici fluidi e vorticosi e schizzi esplosivi. Allo stesso tempo c’è una profondità misteriosa, come nell’immersione nel mare o negli abissi del subconscio. Come descriveresti il ​​tuo approccio all’astrazione?

Il mio approccio è innanzitutto fisico. Per me la pittura è una forma fisica di trascendenza. Attraverso la fatica e attraverso la fisicità,una trascendenza spirituale è possibile, ed è questa sensazione che mi riporta indietro. Tuttavia, la poetica di trascrivere la mia esperienza umana in immagini, immagini con cui le persone vogliono interagire, è un’esperienza concettuale che mi fa desiderare una parte nella conversazione storica. Voglio realizzare immagini che contribuiscano alla storia della pittura. È molto importante per me che questo atto sia coltivato in modo molto simile a una scienza. In altre parole, come posso contribuire? Cosa posso fare per aiutarmi a procedere? In che modo il mio lavoro può ispirare gli altri? In questo momento, sono di nuovo nella fase di esplorazione, sto passando dai gesti e dai pennelli per capire come tingere la tela e unirmi alla conversazione sull'astrazione del campo di colore (uno degli ultimi grandi momenti importanti nell'astrazione, secondo me).

Vista dell'installazione della Earth Room al CCA Andratx.Foto David Bonet

Sei sempre stato un pittore astratto? Qual è stato il tuo viaggio per raggiungere il tuo stile e formulare un universo visivo distintivo?

Si è evoluto nel tempo. Ho iniziato come artista multimediale molto aperto: installazioni, video e persino performance art. Ma verso la fine dei miei studi universitari mi stavo concentrando sulla pittura. La mia prima mostra dopo la scuola di specializzazione è stata una mostra gestuale in cui ho utilizzato i pennelli tradizionali. Mentre quello spettacolo era in corso, qualcosa non andava bene con me. Non mi piaceva il modo in cui i miei dipinti venivano discussi in termini di AbEx e del machismo di DeKooning e Pollock. Mi chiedevo come, o anche se, avrei potuto allinearmi maggiormente con i campioni del campo del colore come Helen Frankenthaer, Morris Louis e Rothko. Ho iniziato a studiarli e ad imparare cosa avrei dovuto fare per renderlo possibile. Il primo passo è stato rimuovere il pennello! Ho avuto un vero momento di lampadina e mi sono sentito così energico ed entusiasta delle possibilità.

A quel punto, mi sono preso una pausa dalle mostre e ho fatto un paio di residenze: una a Città del Messico e un'altra nello stato di New York. Ho trascorso quel tempo cercando rigorosamente di colorare la tela e sperimentando qualsiasi tecnica che potesse permettermi di rimuovere il pennello, ma in realtà non funzionava. La colorazione semplicemente non raggiungeva la vivacità o la presenza che desideravo. È stato solo più tardi, quando sono tornato al mio studio di Los Angeles e un mio compagno di studio ha lasciato una scatola di vernice spray scartata davanti alla mia porta, che ho iniziato a dedicarmi seriamente a questo materiale. Mi sono dedicatoa padroneggiare le tecniche di applicazione della vernice spray su tela tesa finché non sono riuscito a farla davvero mia e, infine, a sostituire il pennello, proprio come desideravo fare da tutti quegli anni. Non ho guardato indietro!

Ad un certo punto, lasci andare, come hai detto,e il lavoro viene da solo, ha detto l'artista.Foto Emanuele Arceo

I tuoi lavori precedenti riflettevano una miscela di intensità emotiva e movimento, spesso caratterizzati da uno stile atmosferico frenetico e profondo. IOIn questi nuovi lavori c’è una profondità e un lirismo diversi, una bidimensionalità che abbraccia la semplicità della pittura a campi di colore e allo stesso tempo attira gli spettatori in un’esperienza coinvolgente di astrazione. La bellezza naturale di Maiorca sembra averti aiutato a lasciare andare alcuni degli ornamenti più stilistici del tuo lavoro, in modo che il colore e la superficie potessero raccontare la storia...

Sì, sicuramente. L'isola era così tranquilla e discreta nella sua bellezza che naturalmente mi fece fare un passo indietro e lasciare che la vernice fosse vernice e il colore fosse colore. Ad un certo punto, lasci andare, come hai detto,e il lavoro viene da solo. Alla fine il risultato sono stati dipinti che erano ancora più campi di colore in natura di quanto avrei potuto sperare all'inizio.

Vista dell'installazione del Wild Flower al CCA Andratx.Foto David Bonet

Dove ti piacerebbe fare la tua prossima residenza? C’è un luogo particolare che ritieni possa nutrire il tuo lavoro?

È una domanda davvero fantastica! Mi vengono in mente così tanti posti nella lista dei desideri... ma immagino che direi l'Irlanda. Il mio partner è irlandese; sarebbe in paradiso e mi piacerebbe moltissimo. Ma entrambi amiamo l'oceano, quindi sarei entusiasta anche di risiedere praticamente ovunque, purché vicino all'acqua. Viaggiare e sperimentare il mondo mentre sono in grado di dipingere le mie esperienze è davvero la cosa più folle e gratificante che posso immaginare di fare, e mi sento così grato ogni volta che accade.

C'è un oceano qui, ma tu sei tutto quello che vedo durerà fino alla fine di settembre. Cosa ti aspetta quest’anno?

Una siesta tanto necessaria! Ma onestamente, ho bisogno di tornare a casa e riorganizzarmi un po'. Si è parlato di fare una mostra alla Night Gallery di Los Angeles nella primavera del 2025, ma vedremo. Idealmente mi piacerebbe prendermi una pausa e semplicemente lavorare un po' senza scadenze rigide oimpegni e magari sperimentare altri mezzi. Sono sempre stato curioso di cimentarmi nella scultura. Ho sempre sognato di fare bronzi ma chissà cosa potrebbe riservarmi il futuro. Ho realizzato molti dipinti quest’anno, quindi sembra che potrebbe essere il momento opportuno per tuffarmi in qualcosa di nuovo. Rimani sintonizzato! Chissà cosa potrebbe esserci all’orizzonte… l’unica cosa certa è che qualunque cosa accada dopo dovrà aspettare fino a dopo quella siesta.