È giusto dire che White Cube è sbarcato a New York con un grande successo. La mega-galleria con sede a Londra vanta sedi a Parigi, Hong Kong, West Palm Beach e Seoul, e ha aperto i battenti qui il mese scorso con una mostra collettiva di artisti vivaci che il New York Times chiamato una dimostrazione di forza.

Sukanya Rajaratnam di White Cube.Foto di Weston Wells / cortesia White Cube

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Nelle ultime due settimane, la galleria ha annunciato che ora rappresenta Richard Hunt e l'archivio di Lynne Drexler. Starttracker ha recentemente incontrato Sukanya Rajaratnam, che si è unita al team White Cube a New York come direttore globale delle iniziative strategiche di mercato, per conoscere cosa significano queste mosse per la galleria e il mercato dell'arte in generale.

Spesso pensiamo che le gallerie si occupino di artisti appariscenti ed emergenti, ma queste nuove aggiunte al roster di White Cube segnalano un forte mercato anche per i lavori più vecchi. Parlando in generale, che tipo di collezionista sceglie il tipo di lavoro già presente nei libri di storia dell’arte?

Un tempo l’arte corrispondeva all’età demografica, ma trovo che collezionisti sempre più giovani considerino l’arte più antica come qualcosa che è stato testato dal tempo e ha un posto nella storia dell’arte. Questi collezionisti tendono a prestare attenzione a ciò che acquistano e al modo in cui l'oggetto parla delle loro convinzioni, del suo valore e della sua vitalità a lungo termine, piuttosto che semplicemente come un pezzo decorativo nella loro casa.

Richard Hunt è sempre stato ben supportato dalle istituzioni, con una mostra personale al MoMA nel 1971, a soli 35 anni. Anche il suo mercato è sempre stato forte?

Non solo Richard tenne la sua prima mostra al MoMA nel 1971 all'età di 35 anni, ma il museo acquisì una scultura significativa, Aracne (1956 ) , quando aveva solo 21 anni. Nel corso della sua vita, ha tenuto oltre 150 mostre personali e il suo lavoro è ben rappresentato nelle collezioni permanenti di diversi importanti musei in tutto il paese. Eppure, il suo mercato è sottosviluppato e la sua rappresentanza nelle gallerie è stata scarsa. Ho detto che Richard è un gigante nascosto in bella vista perché il suo lavoro merita di essere celebrato in compagnia del suo pari David Smith e dei suoi predecessori, Alberto Giacometti e Julio González, entrambi i quali furono le prime influenze. Questo è purtroppo un altro caso di pregiudizio sistemico nel mondo dell’arte che ora viene corretto.

Cosa puoi dirci della sua prima mostra con la galleria, che aprirà a New York nella primavera del 2024?

La mostra prenderà spunto dalla mostra del MoMA del 1971 ma sarà incentrata su questo Testa dell'eroe (1956), che non fu incluso in quella mostra. Questo è il pezzo che galvanizza tutto, almeno dal mio punto di vista, perché è un omaggio a Emmett Till. Richard aveva diciannove anni quando partecipò al funerale a bara aperta di Till a Chicago e si può solo immaginare cosa questo abbia fatto alla psiche di un giovane uomo di colore. Anche se la forma è semi-cubista, si può vedere un occhio sfondato e una faccia gonfia, e si tratta chiaramente dell'orrore di quel momento. La bellezza del lavoro di Richard è che si lega perfettamente alla storia della scultura del ventesimo secolo, ma porta con sé una narrazione di dolore, sia personale che collettivo, e il contemporaneo desiderio di libertà. Anni di pellegrinaggio (1999), l’opera che presentiamo ad Art Basel Miami Beach, è formalmente un disegno nello spazio, ma è l’aratro astratto di un mezzadro, che si riferisce alle origini della sua famiglia come raccoglitori di cotone nelle zone rurali della Georgia e alla loro migrazione verso nord.

Lynne Drexler è spesso descritta come trascurata, ma lo stesso si può dire di molte donne espressioniste astratte. Perché pensi che sia stato così?

È un altro esempio dei pregiudizi che pervadono il mondo dell’arte da molto tempo. La maggior parte delle donne veniva relegata al ruolo di fidanzata o moglie. Guarda Lee Krasner, un pittore fantastico che rimase all’ombra di Jackson Pollock molto tempo dopo la sua morte e il cui mercato solo di recente è entrato nel regno di milioni di persone. Il suo record d'asta è inferiore a 12 milioni di dollari, una frazione di quello a cui venderebbero i suoi contemporanei maschi. Lynne Drexler ha una storia simile, anche se i suoi prezzi d'asta hanno ormai superato di gran lunga quelli di suo marito, John Hultberg. Lo incontrò e lo sposò nel 1961, l'anno della sua prima mostra personale a New York, e da allora in poi fu relegata al ruolo di sua moglie mentre lui beveva e faceva il donnaiolo. Ha detto notoriamente: sono l'ancella di un genio. È una meraviglia per me che abbia continuato a realizzare i dipinti ferocemente belli che ha realizzato.

Quali periodi del suo lavoro sono i più ricercati?

È un mercato che ha meno di due anni e finora le persone hanno gravitato verso il suo lavoro di successo dal 1959 al 1962. Questo non è insolito, e lo abbiamo visto con Joan Mitchell, le cui date coincidono con quelle di Lynne, e il cui lavoro successivo ha raggiunto solo ora il valore del lavoro precedente. Nell'ultima tornata di aste di New York, a Girasole un dipinto del 1990-91 è stato venduto per 28 milioni di dollari, mentre un primo dipinto del 1959 è stato venduto per 29 milioni di dollari. Nel caso di Lynne, ci sono quattro decenni di materiale da contestualizzare nelle mostre, e ogni periodo è brillante.

Le mosse della galleria rispondono a un mercato dell’arte incerto? Le persone vogliono materiale provato e vero in questa economia?

La Galleria esiste da trent'anni e ha superato molti cicli economici. È fedele alla visione di Jay Jopling, che ha sempre riguardato gli artisti. Sostenere tale integrità è importante. Il denaro segue sempre.

5 febbraio

Sei arrivato al White Cube da Mnuchin, noto per i suoi spettacoli dinamici di persone come Frank Stella e Sam Gilliam. Cosa può fare una galleria per mantenere fresche le opere d'arte vintage?

La curatela è vitale, soprattutto quando si tratta di opere vintage. Tutto, dalla scelta degli oggetti alla spaziatura tra loro, fino al dialogo che creano tra loro, è importante per il modo in cui un'opera viene percepita. David Hammons una volta mi disse che un'installazione dovrebbe sembrare una poesia: la lunghezza del verso, la posizione della punteggiatura, il ritmo della lettura: tutto contribuisce a come si realizza.