The Dreamers di Bernardo Bertolucci, adattato dal romanzo The Holy Innocents di Gilbert Adair, è ambientato sullo sfondo delle rivolte studentesche del 1968 a Parigi, senza però fare grandi sforzi visibili per ricostruire l'aspetto del periodo. Il signor Bertolucci probabilmente ha fatto bene a non immergersi nei dettagli d'epoca degli abiti e dell'atmosfera da caffè all'aperto. Tuttavia, in un 63 anni riflessivo e ancora romantico, Bertolucci rende un sentito omaggio al famoso teatro di Henri Langlois, la Cinémathèque Française, con riferimenti alle sue politiche espositive sparse e copiosi spezzoni dei classici d'autore lì proiettati. Ciò rende The Dreamers il tipo di film che dovrei astenermi dal recensire sulla base di un nostalgico conflitto di interessi: non solo ho una conoscenza più che passeggera del regista, ma una volta ho anche condiviso la sua dipendenza irriducibile. alla Cinémathèque e alla rivista di cinema di registi, Cahiers du Cinema.

16 ottobre zodiaco

Ma mentre Bertolucci arrivò a Parigi poco dopo aver girato il suo primo film, La Triste Mietitrice, nel 1962, io avevo già avuto una svolta nella mia vita e nella mia fortuna, avendo lavorato brevemente per Langlois e la sua formidabile compagna di vita, Mary Meerson. volta che ho trascorso un anno a Parigi nel 1961. E sebbene sia stato a Parigi diverse volte da allora (sebbene non nel 1968), non ho competenze particolari per valutare l'autenticità o anche solo la plausibilità del racconto romanzato dei signori Bertolucci e Adair, entrambi testimoni in prima persona delle rivolte studentesche. Il romanzo precedente di Adair era Amore e morte a Long Island, divenuto un'apprezzata versione cinematografica del 1997 diretta da Richard Kwietniowski. (E cosa è successo al signor Kwietniowski dopo questo straordinario debutto cinematografico?)

Per rendere una critica digressiva un po’ più breve, lasciatemi dire in anticipo che The Dreamers non riesce a unire i suoi punti per formare una narrazione coerente e convincente. Questo non vuol dire che gli spettatori che hanno familiarità con l’inizio della follia cinematografica alla fine degli anni ’50 e ’60 dovrebbero perdersi questo affettuoso tributo a quel periodo e ai suoi appassionati appassionati. E aggiungerei, anche se con riluttanza, che i vari spezzoni di film che Bertolucci ha abilmente assemblato valgono quasi da soli il prezzo del biglietto. D'altra parte, puoi vedere il mio problema (come autore ostinatamente ardente) quando la prima clip del film è quella di Shock Corridor (1963) di Sam Fuller. La mia recensione relativamente gentile fece sì che all'epoca fossi messo alla berlina dall'establishment critico di New York per i miei presunti gusti trash. Ah, ma sto divagando ancora….

La storia di The Dreamers inizia con una voce fuori campo in inglese attribuita infine a Matthew (Michael Pitt), un giovane studente americano di San Diego con cui fa amicizia, ironicamente, durante una manifestazione per Langlois, dopo essere stato licenziato dal governo. una coppia di nome Theo (Louis Garrel) e Isabelle (Eva Green), che risultano essere fratello e sorella. Matthew è immediatamente attratto da Isabelle, ma gradualmente inizia a sospettare che lei e Theo siano insolitamente vicini, forse anche fratelli incestuosi.

Dopo il primo incontro, Matthew viene invitato dai suoi nuovi amici nello spazioso appartamento sulla Rive Gauche di proprietà dei loro genitori benestanti, una madre di origine britannica (Anna Chancellor) e un padre poeta francese (Robin Renucci). Con i genitori in procinto di lasciare la città per una vacanza in campagna, Isabelle e Theo convincono Matthew a trasferirsi da loro.

Gran parte del resto dell'azione è confinata nell'appartamento, dove comincia a prendere forma un bizzarro ménage à trois, impermeabile al mondo esterno. La nudità frontale completa, sia maschile che femminile, diventa così casualmente comune che l'eccitazione erotica insita nella situazione comincia a diminuire in mezzo all'atmosfera soporifera, simile all'Eden. Sebbene Theo continui ad avvicinarsi sempre di più a Matthew, i procedimenti sadomasochistici inquietanti si rivelano più unisessuali che bisessuali. Isabelle e Theo condividono abitualmente lo stesso bagno, e presto Matthew, originariamente un modello di eterosessualità, inizia a liberarsi delle sue inibizioni, insieme ai suoi vestiti. Ma solo fino a un certo punto: quando Isabelle inizia scherzosamente a radersi i peli pubici con l’aiuto di Theo, Matthew con rabbia interrompe il procedimento e cerca di allontanare Isabelle da Theo. Lo sforzo, tuttavia, è naufragato quando Theo si chiude nella sua camera da letto con un'altra ragazza; Isabelle impazzisce per il dolore e la gelosia, mentre Matthew resta a guardare impotente.

Bertolucci non si è spinto oltre i limiti della sessualità esplicita con tanta forza sin dal suo scandaloso a livello internazionale Ultimo tango a Parigi (1972) più di 30 anni fa. Per i suoi sforzi, The Dreamers ha ricevuto un rating NC-17 dai censori sempre più irrilevanti del settore, che si limitano a inviare un segnale alle orde di mecenati del porno su Internet tra noi. Sfortunatamente, secondo la mia depravata opinione di esperto, Bertolucci non è riuscito a innescare un’altra esplosione erotica rivoluzionaria, in parte perché c’è molta più competizione nel regno della sensualità cinematografica rispetto a 30 anni fa, e in parte perché agli attori manca la necessaria chimica. l'uno con l'altro. I signori Bertolucci e Adair continuano a guidarci su per il vialetto del giardino e poi di nuovo giù, senza risolvere nessuno dei problemi che ci pendevano davanti così scherzosamente.

Quindi, un faticoso tentativo di suicidio viene sventato dal ciottolo di un rivoltoso lanciato fortuitamente attraverso una finestra; Theo si unisce alla rivoluzione lanciando una bottiglia Molotov contro la polizia antisommossa pesantemente armata e ben protetta; e Matthew afferma il suo scetticismo sul valore dell’attivismo politico, difendendo gli Stati Uniti nella guerra del Vietnam anche se sta chiaramente evitando la leva con un differimento accademico.

Durante la proiezione, ho notato che avrei potuto essere citato, o addirittura citato erroneamente, nel film riguardo al mio paragone tra Charlie Chaplin e Buster Keaton. Non importa: le clip del Vagabondo di Chaplin alla fine di Luci della città (1931) rimangono eternamente luminose, come nel caso di molte reminiscenze cinematografiche di Bertolucci: la Mouchette di Robert Bresson che rotola giù da una collina fino alla morte in Mouchette (1967); la Garbo che accarezza i mobili nel ricordo tattile della sua notte d'amore in Queen Christina di Rouben Mamoulian (1933); Marlene Dietrich si toglie la testa al gorilla in Venere bionda (1932); e, naturalmente, Jean Seberg che pubblicizza l’International Herald Tribune in Senza fiato (1960) di Jean-Luc Godard.

Giù e fuori nell'anime di Tokyo

Tokyo Godfathers di Satoshi Kon, scritto da Keiko Nobumoto e Mr. Kon, è stato presumibilmente ispirato da Three Godfathers (1948) di John Ford, a sua volta l'ennesima versione cinematografica di The Three Godfathers, il romanzo pulp di Peter Kyne risalente agli inizi dell'era del muto. A quanto pare, la Tokyo animata di Kon è così lontana e lontana dalla Monument Valley di Ford che ci si chiede perché l’attribuzione di una fonte sia stata ritenuta necessaria. Certamente non è perché l'artificio centrale di un bambino salvato da tre criminali incalliti sarebbe troppo sdolcinato per i gusti giapponesi senza essere associato al sentimentalismo popolare americano: dopo tutto, anche Akira Kurosawa, l'orgoglioso regista di samurai, si è lamentato di un bambino abbandonato bambino a Rashomon (1950).

Nelle versioni precedenti di questo racconto di Natale, tre uomini malvagi intraprendono la missione di portare in salvo un bambino orfano in quella che nel Vecchio West era considerata civiltà. Nella storia del signor Kon, i tre uomini cattivi sono stati sostituiti da tre derelitti senza casa: Gin, un alcolizzato corpulento e barbuto; Hana, un volubile travestito di mezza età traboccante di istinto materno; e Miyuki, un'adolescente in fuga dal trauma di aver pugnalato suo padre.

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Il signor Kon ha così ampliato la trama originale dando a ciascuno dei protagonisti simili a Magi un retroscena. Alla fine, tutto si risolve felicemente dopo un susseguirsi di inseguimenti e scontri con la morte, che si concludono con il ricongiungimento del bambino con i suoi amorevoli genitori. Pertanto, nel film di Kon, la comunità nella versione hollywoodiana viene sostituita dalla famiglia come rifugio finale per il bambino in via di estinzione.

Devo confessare che non sono sicuro a quale livello di ironia e raffinatezza si trovi Kon, e a quale settore del pubblico giapponese e internazionale abbia adattato il suo film. Il suo stile visivo sembra più illusionista mainstream rispetto a quello di The Triplets of Belleville, più cerebralmente stilizzato. Eppure Kon non sfrutta i suoi personaggi squallidi per un facile pathos; sono troppo mobili dal punto di vista energetico e vitale per questo. In effetti, praticamente predica loro di non crogiolarsi nell’autocommiserazione, ma piuttosto di impegnarsi e crearsi una nuova vita.

Un attacco quasi omicida a Gin da parte di una banda di teppisti adolescenti che ripuliscono il quartiere serve a ricordare in modo sconvolgente che le persone che vivono per strada nelle nostre grandi città sono facilmente vittime di una varietà di predatori. Sebbene tutto finisca bene per il trio, ci sono lunghi periodi in cui l'indifferenza sociale e l'ingiustizia affliggono i protagonisti, così come le nostre stesse coscienze. Questo potrebbe benissimo essere il punto dell'intero esercizio.

Analisi Analisi

Empathy di Amie Siegel utilizza strumenti sia di fantasia che di fantasia per illustrare alcune delle stranezze, delle eccentricità e delle assurdità del processo psicoanalitico scatenato nel mondo nel secolo scorso. La Siegel non indica sempre la linea di demarcazione tra finzione e saggistica, anche se tende a concentrarsi esclusivamente – quasi eccessivamente – sulle tensioni che sorgono tra analisti uomini e analizzande donne sotto la copertura di un’intimità culturalmente sancita. Ciò porta a domande e risposte spesso banali in cui agli analisti, reali o imitati, viene chiesto se hanno mai fatto avances sessuali alle loro pazienti o se hanno permesso che le pazienti facessero loro delle avances. Gli analisti mentono mai? Lo fanno i pazienti? Mi sorgono due domande in mente: in primo luogo, come puoi sapere se stanno mentendo? E in secondo luogo, fa qualche differenza dal momento che, come ci dice Freud, anche le bugie possono rivelare qualcosa di nascosto nel subconscio?

Su un tono più leggero, la Siegel suggerisce che il lavoro dell'analista è profondamente influenzato dalle decisioni sulla decorazione degli interni. Un particolare mobile arancione disegnato da Charles e Ray Eames è oggetto di un primo piano prolungato senza esseri umani visibili nell'inquadratura. (Ci è stato detto che è conosciuto come il divano Billy Wilder, anche se a me sembra la classica sedia da analista.)

socio di Matty Lee

Nonostante ciò, il film scorre con una certa grazia e morbidezza, dovuta in gran parte al senso di mistero psichico proiettato da una dolce attrice, Gigi Buffington, nel ruolo immaginario di Lia, una ricercatrice della verità e dell'auto-riconoscimento. E per quanto riguarda la questione dell'intimità, emerge un interessante pettegolezzo che implica un famoso psicoanalista britannico per aver oltrepassato il confine sacro tra analista e paziente: Winnicott aveva una paziente di cui prendeva la mano e la teneva così quattro volte a settimana. per mesi e mesi, non sono sicuro che ci sia qualcosa di sbagliato in questo. Empathy sarà proiettato al Film Forum fino al 3 febbraio.